Das MAK DESIGN LABOR erweitert das traditionell auf das 20. und 21. Jahrhundert fixierte Designverständnis auf frühere Jahrhunderte und ermöglicht eine bessere Ein-schätzung des heutigen Designbegriffs. Thun-Hohenstein: „Design hat die Aufgabe, unser Leben zu verbessern. Dabei muss es das Wohlstandsstreben des Einzelnen mit den langfristigen Interessen der Gesellschaft wie Ressourcenschonung und Nachhaltig-keit, sozialem Zusammenhalt und lebenslanger Bildung in Einklang bringen. Die Digi-talisierung unseres Lebens eröffnet zusätzliche Gestaltungsspielräume. Das MAK  DESIGN LABOR thematisiert dieses veränderte Rollenverständnis von Design.“

Während die über 20 Jahre unveränderte MAK-Studiensammlung materialspezifisch geordnet war, fließen im MAK DESIGN LABOR Themen und Räume ineinander. Neu geschaffene Durchgänge und die Umfunktionierung von Teilen des ehemaligen Flurs zu Ausstellungsflächen führen zu einem neuen Raumerleben. Mit dem MAK FORUM steht ein innovativer, flexibel nutzbarer Raum zur Verfügung, der als Begegnungsort ebenso wie als Experimentierfläche für Ausstellungen, Präsentationen und Vermitt-lungsformate genutzt werden kann. Die MAK-Galerie wurde in die Raumfolge inte-griert, am 12. Mai 2014 eröffnet dort im Rahmen der in Kooperation mit der Universi-tät für angewandte Kunst entwickelten Reihe ANGEWANDTE KUNST. HEUTE eine Einzelausstellung des Wiener ArchitektInnenteams soma architecture.
 
Schon das Mobiliar schafft Nähe zu den BesucherInnen: So präsentieren etwa tisch-hohe Podeste die Objekte in Augenhöhe oder bieten die Möglichkeit zur aktiven For-schung an „Arbeitsplätzen“. Eine modulare Programmierung der Ausstellungsräume ermöglicht maximale Flexibilität. Das MAK DESIGN LABOR kann spontan Initiativen setzen oder aktuellen Entwicklungen und Themen angepasst werden. Formate wie Carte Blanches, Crowdsourcing und partizipative Projekte unterziehen es zukünftig einem permanenten Wandel. Das IDRV kontextualisiert die einzelnen Bereiche mit alltagsnahen Interventionen zum positiven Wandel hin zu einer sozial und ökologisch zukunftsfähigen Gesellschaft. Themen sind etwa: Produktion, Geschlechterdemokratie, Ernährung und Pflanzenvielfalt, Kreislaufwirtschaft, Klimaauswirkungen, Globalisie-rung, Wissensdemokratisierung, Lebensstil. Bereiche, die aus einem offenen Designbe-griff generiert sind und nicht nur für GestalterInnen wichtig werden. Das MAK DESIGN LABOR präsentiert sich damit als Ort, der sich relevanter Themen für einen positiven Wandel annimmt.

Miteinander interagierende Themeninseln zu Kochen, Essen und Trinken, Sitzen, künstlerischer Produktion, industrieller Produktion, alternativen Produktionsweisen, Transportieren, Kommunizieren und Ornament, aber auch zum generationenübergrei-fend inspirierenden Allgestalter Josef Hoffmann oder zum Modedesigner Helmut Lang erwarten – eingebettet in diese vernetzte Konzeption – die BesucherInnen.

DICHTER THEMEN-PARCOURS
Nicht zufällig startet der Parcours durch das MAK DESIGN LABOR mit einem Über-blick über unterschiedliche Produktionsweisen. Während ausgewählte, mit dem Öster-reichischen Staatspreis für Design ausgezeichnete Alltagsgegenstände und Technolo-gieprodukte wie Ernst W. Beraneks Automatic Toastgrill (1967) oder der unbemannte Hubschrauber CAMCOPTER® S-100 von Gerhard Heufler (2005) eine Erzählung über Produzieren: industriell und Marktdogmen eröffnen, zeigt der Bereich
Produzieren: alternativ neue Wege im Design, die ein verändertes Konsumverhal-ten, neue Formen des Wirtschaftens und der Ressourcennutzung sowie einen sozialen Wandel implizieren. Materialexperimente wie von Studio Formafantasma oder Dirk Vander Kooij sind dort ebenso zu sehen wie prototypische DIY-Haushaltsgeräte im 3D-Druck von Jesse Howards.

Demgegenüber beleuchten im Themenbereich Produzieren: künstlerisch Positionen der MAK-Sammlung Gegenwartskunst, wie von Herbert Bayer, Verena Dengler, Birgit Jürgenssen, Gerwald Rockenschaub oder Jenni Tischer, Fragestellungen zu Ästhetik und dem Verarbeitungswert von Materia-lien im Kontext von Geschichte, kultureller Patina, Gender oder sozialen Praktiken. Bespielt werden Testfelder zwischen Handwerk (Mensch) und Industrie (Maschine). Ausgangspunkt der Präsentation ist Model La Machine Célibataire (2012) von Atelier Van Lieshout, das Modell einer „Junggesellenmaschine“. Diese Arbeit wird anlässlich des 150. Geburtstags des MAK von der MARS für die MAK-Sammlung gestiftet. Mit der Schenkung setzt die MARS ein Zeichen und hofft im Jubiläumsjahr auf zahlreiche Nachahmer.

Rund um die 1926 von der Wiener Architektin Margarete Schütte-Lihotzky entworfene, weltberühmte Frankfurter Küche, die als Prototyp der modernen Einbauküche und Meilenstein der Küchenentwicklung gilt, spannt der Themenbereich Kochen einen dichten Bogen von Entwürfen von Josef Hoffmann und Edmund Moiret, die den Auf-takt der künstlerischen Auseinandersetzung mit dem Thema Küche markieren, über standardisierte Modelle und überraschende Designlösungen, etwa auch aus dem süd-ostasiatischen Raum, bis hin zu absoluten Utopie-Objekten, unter anderem von Ettore Sottsass oder Jerszy Seymour.

Auf eine eindrucksvolle Zeitreise zum gedeckten Tisch in unterschiedlichen Epochen lädt der Bereich Essen und Trinken. Beginnend mit dem Mittelalter, als der Tisch noch keinen fixen Platz im Raum hatte, über die Renaissance und das einsetzende Inte-resse an der Dekoration des Essplatzes, das Barock mit der Erfindung des einheitlichen Services bis hin zur Demokratisierung der Essensaufnahme in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts werden alle Varianten des Tafeldeckens im europäischen Raum durchgespielt. Sakrale Gefäße oder Schalen des japanischen Teezeremoniells verdich-ten das Thema ebenso wie Tischtücher, Servietten oder Menükarten. Positionen unter anderem von Nina Levett und den Eat Artists Sonja Stummerer und Martin Hablesrei-ter diskutieren Tischkultur als Inspirationsquelle für die zeitgenössische Kunst. 

Im Laborbereich zur dominierenden Haltung des Alltagslebens, Sitzen, geben ausge-wählte Sessel und Hocker exemplarisch Einblick in die vielfältige Typologie der Sitz-möbel und stellen unterschiedliche Materialien, Funktionsweisen und Entwicklungs-stufen gegenüber. Gezeigt werden auch Sitzhaltungen, die der amerikanische Anthro-pologe Gordon W. Hewes in den 1950er Jahren gesammelt und gezeichnet hat: Sie verweisen auf die kauernden und hockenden Stellungen in Gesellschaften, die auf Sitzmöbel bislang weitgehend verzichtet haben.

Dem Höhepunkt im Schaffen von Josef Hoffmann und der Wiener Werkstätte ist der Raum Hoffmann Geometrisch im MAK DESIGN LABOR gewidmet. In einer kon-zentrierten Schau wird die sogenannte geometrische Phase Hoffmanns, des einfluss-reichsten angewandten Künstlers in der Epoche Wien um 1900, präsentiert und ver-ständlich gemacht, warum die geometrischen Entwürfe als der künstlerisch revolutio-närste und spannendste Beitrag der angewandten Kunst der Wiener Moderne gelten. Wie kein Zweiter steht Hoffmann – Gründungsmitglied von Secession, Wiener Werk-stätte und Österreichischem Werkbund sowie Architekt, Ausstellungsgestalter und Designer von Möbeln, Glas, Porzellan, Keramik, Textilien und Metall – für die Idee des Gesamtkunstwerks, für die Beschäftigung mit unterschiedlichen Disziplinen und für Internationalität. Durch die Beschränkung auf seine wichtigste Schaffensphase soll die Bedeutung Hoffmanns und seines Umfelds einem breiten Publikum vermittelt werden. 

Dem Thema Textil, einem der Kernbereiche des MAK, widmet sich auch die Präsenta-tion des Archivs des Technologischen Gewerbemuseums (TGM) im Raum Sammeln. Die 1914 ans MAK übergebene, einzigartige Stoffmustersammlung des TGM dokumen-tiert nahezu flächendeckend die reichhaltige industrielle Textilproduktion (ca. 20.000 Stoffbeispiele) des Habsburgerreichs in der Biedermeier-Zeit (circa 1820 bis 1840). Mit unterschiedlichsten Textilien bestückte Kartontafeln zeigen die beeindruckende Fülle und Innovationskraft der Produktionen.
Um angewandte Kunst für Hand und Fuß geht es beim Thema Schützen und Schmücken. Vielfach erstmals gezeigte Objekte aus Europa und Asien, vom Mittelal-ter bis zur Gegenwart, thematisieren die körperlichen Extremitäten als Inspirations-quellen für Körperschmuck, schützende Accessoires oder künstlerische Produktionen. Von Schuhen und Handschuhen, Schmuck, Taschen, Tabatieren, über Fächer, bis hin zu Kunst- und Designobjekten, darunter Walter Pichlers berühmter Fingerspanner (1967), reicht das Spektrum der Exponate.
Kunstvolle Behälter für Objekte aus verschiedenen Zeiten und Kulturen – vom Abfall-eimer über Kästen, Kassetten, Truhen, über Möbelgepäckstücke bis zu (Juwelen-) Schatullen – zeigt der Bereich Transportieren. Neben Containern sind hier auch Taschen aus Europa, Amerika, der islamischen Welt und China, vom Spätmittelalter bis ins 20. Jahrhundert sowie Beispiele für Verpackungen zu sehen. Demgegenüber wird das Ornament als gewichtiges Kommunikationsmittel betrachtet. Facettenreich-tum, Bedeutung und Alltäglichkeit von ornamentaler Gestaltung und Schmuck werden thematisiert. BesucherInnen sind eingeladen, ihre Vorstellungen von Ornament beizu-steuern.
 
Der daran anschließende Bereich Kommunizieren erzählt die Entwicklung der Schrift von der klösterlichen Tradition der Skriptorien zum Zweck der internen Verviel-fältigung religiöser Schriften über individuelle Neuinterpretationen durch Schriftge-stalter und Drucker wie Aldus Manutius, Johann Neudörffer, Giambattista Bodoni oder François Didot bis zu den Reformkunstbewegungen von William Morris und Rudolf von Larisch. Thematisiert wird auch die Emanzipation der Schrift zum Mittel der Kunst, wie Beispiele von Lawrence Weiner, Jenny Holzer oder Betty Leirner zeigen. Plakate dokumentieren in diesem Kontext den weiten angewandten Kunstbereich Gra-fik. Beispiele aus dem digitalen Zeitalter, wie der E-Book Reader, schließen den The-menbereich Typografie ab. Aufbauend auf die im 18. Jahrhundert durch die Standardi-sierung der Schriftgröße geschaffenen Voraussetzungen wird demonstriert, wie aus dem digitalen Baustein „Pixel“ das Erscheinungsbild eines Buchstabens auf einem Bild-schirm entsteht.